Sculpture is 'the other' which is alienated from painting and stone sculpture also became 'the other' of sculpture. The biggest charm of stone sculpture is that carving method is used to enlivens it, not modeling. Elimination, thus getting rid of what is unnecessary is almost like the meaning of emptiness and nonpossession of the Buddhist philosophy. It is also in continuation of the aesthetics of Neoplatonism, believing that the spirit and soul exists within a material. I still want to observe today's stone sculpture based on this belief. In the era where concept is the most important, an era where concept overlooks substance, finding an artist who still sculpts in a 19th century style reminds me of Seiren that sings to Odysseus whose ears are blocked. Even so, the fact that excessive physical labor is required compared with all other genres of art and the belief that sincerity is secured at least in that moment of labor made myself turn toward the stone sculptor.
Before meeting you in person, I had a vague expectation of meeting a sculptor that handles stones. Because handling stones seems quite anachronistic in the era of high-technology of today and at the same time, it seems precious. These days, sculptor as a profession is slightly strange and stone sculpting looks extremely unfamiliar. I should ask you in the first place a foolish question, why do you sculpt stones?
I am a single-minded person. The only thing I can do is sculpt stones. The reason why? I should rather say that the stone came to me like destiny. It would be the same for all genres of art but stone sculpture is just like the process of life. As you would know, marble has to be dealt with extreme care and a mistake cannot be accepted. That's why one has to approach a stone with a thorough plan from the beginning. Having done so all my life, it's a pity that I didn't have any other hobby.
So a stone sculpture is like a picky lover or your trouble maker child. You have to be very careful and must put great effort into it and furthermore, you can't anticipate. As the saying that media is the message, I keep on digging into what the stone means. For example, when observing the relationship between the artist and the material in plastic arts, people commonly believe that an artist who deals with a certain material becomes similar to the substance. Could you tell me in depth about your relationship with the stone?
In fact, I am pretty timid. As sculptors are like with three-dimensional object that they deal with, I also have a certain timidity regarding space. When I am preparing for an exhibition, I keep on correcting my work every time I go back to the space. I think that 'imagination through tactile sensation' is the most important than any other thing while I am at work. For me, the texture of the stone such as marble, sandstone and granite is essential. Sometimes it feels soft and tender, quite often actually. The feeling that I am handling a flexible substance of variability is very attractive.
You have studied at the Accademia di Belle Arti, Carrara, Italy for 7 years, right? What kind of experience did you have in Carrara?
A small city of Tuscany, Carrara, is a place where many sculptors with a strong figurative sense gathers. I have learned the expression of the human body, the basic of sculpture, in an exhaustive manner from the professors of the Carrara Academy. In fact, Italy can be quite an unfriendly country but I didn't really suffer during my life as a student. Of course, when I saw the sculptures in Rome and the Vatican, I said to myself in dismay, "Can I be called a sculptor?" "Can I ever do as they did?" It was difficult to overcome the sense of shame. But what else can I do? When I left Korea, I had a certain pride and determination to succeed since I was out of the circle of people and school. The decision to study sculpture in Carrara had been the best choice that I could have chosen. And at the Academy, the teachers acknowledged each student's unique sensitivity and encouraged students to do whatever they wanted.
I feel that your works have become easier and more charming after you have studied abroad when comparing to your works in the beginning of your stay in Italy. Why do you think you have made this change?
I consider the reaction of the viewer as important. Had I made something with all my might but it came out to be a piece of art that I am the only one who appreciates it, making such art lacks value. Whatever the reason, my works are made to make people happy and to give them a good feeling of what can be 'adorable' and 'comfortable.' I don't have a big-scaled idea behind my works.
Your sculpture is figurative but not realistic. The realistic aspect is obscurely reduced into an abstract form. What is the reason for making rough and clumsy forms instead of giving a refine specific form to the body's expression?
Realistic description is not interesting for me. I get bored very easily when I try to sculpt a realistic image. I prefer to obtain the richness of the overall outline by eliminating details. If you leave out the details, the sense of the whole becomes alive in a great deal.
So it means that your work is oriented toward the essence of sculpture because you make the volume alive. That is, volume is the essence of sculpture and it seems to be well expressed in the feminine body among your works. They are far from being erotic figures. Of course, the Venus of Willendorf does not have the eroticism that we imagine of but one can say that it is surely the prototype of Terra Mater? In this aspect, it seems that your works also express a clear maternal instinct. Also in the way that along with the volume, they maintain the principle of frontality as in Egyptian sculptures.
I agree. Expressing a feminine body is going closer to the prototype of maternal instinct rather than showing interest on the human body itself. It shows huge volume but the expression is relatively refined. This is to minimize the sculptural process and to refrain from expressing actions as much as possible. Static and contemplative image as if time has been stopped is the image I pursue.
Your works of 2006 are especially simplified but have become a little humorous in contents. Even with independent images, a certain Korean sentiment such as waiting and souvenirs is told by a narrative. Furthermore, this exhibition shows works that focus on 'relationships' in particular. For example, the series that convey the harmony of an orchestra or the married couple, mother and son, family, etc. What was the reason for such change in your works?
My wife is a sculptor too and we had our baby after a long time. This changed my works a lot. You can say that I started to look at people and things with a more compassionate view. That's why I now describe the people who live in the 'relation of co-habitation.' This was such a natural change for me. And the theme of mother and child, isn't this the eternal theme that humanity desires for? The message of fundamental love and peace of humans.
Your view with a warm heart toward the object has not changed. When I first saw your works, there were only feelings of just being very familiar, nothing new, if I permit myself to negative expressions. So in a certain way, it was difficult to feel a visual pleasure. But as I view the works again after a certain time, the kind and adorable features come to me as new revelations. I thought about the reasons, and I came to the conclusion that it is due to the firm 'belief' that the artist has on the object, which forms the base of the work. That is, I can feel your relaxed warm view on the object. Maybe this was possible with the contact with nature, the stone, thus the status of becoming one with nature.
Thank you for the reaction. As I am quite foolish, I dig into the object. Since I handle stones, perhaps I have become a man of stone. Stone is a living being which breathes, talks to you and comes close to you as if to softly seduce you but sometimes it can be oppressive and can seize me in an outrageous manner. Anyway, I strive to give the very opposite character to the stone, a light-hearted sensation and comfort, coziness to the immortal substance.
Artists referred to in art history seem to be people who have sacrificed themselves but who have survived in the end. For example, the incessant experiment of Picasso was enabled by his wealth in economic terms and works of Cezanne has been made possible by almost cutting away family ties. I wonder if you also had a certain sacrifice to create such sculptures.
As I have mentioned before, stone sculpture requires seemingly excessive patience and the elaborateness of the result is shown according to the time invested into it. That's why I had to live simply by going back and forth to and from my studio and home. A life far from the secular pleasure. I didn't even see the movie 'Avatar' that almost all Koreans have seen. I would like to change from now on, but I am not sure it it will work.
It is as if creating sculpture is a religious ascetic act. Can you maintain this kind of life continuously?
I think so. Any sculptor who handles stone would probably lead a somewhat lonely life, alienated in some sort. Be it marble or granite, stone work requires long hours of extreme concentration so other matters cannot be tended to. I am also human, of course I had moments when I wished to walk an easier path. It is too hard, let's go easier now, be more comfortable. But this never works for me. Since stone sculpture is all I've learned, this is my vocation. I have always wanted to enjoy other cultural things but only with my mind. I guess I have a artisanal nature inside of me. I get nervous when I leave my studio. I have to be in the studio even when I am not at work.
I wonder if stone sculpture has been degraded to a formality in the curriculum of the universities these days. Could you tell me about the students these days?
You're right. You can hardly find an art student majoring in stone sculpture. If I can find some, I have mixed feelings of relief and regret. I welcome the spirit of challenge at such a reckless work but on the other hand, I worry about how they could make a living. In my case, after having students by my side for about 2 years, when I feel that there is nothing more to teach, I let go of them to become independent and make them go study abroad.
Today's sculpture is being substituted with three-dimensional public art and sculptors that work non-stop daily have become almost extinct. They only seem to work hard short term for such public art pieces and live off the money they receive for this which creates a sort of vicious circle that repeats itself. So now is the time that the concept of typical sculpture has already vanished and therefore, the meaning of sculptor is going through transformation. I think it's a pity that it's difficult to meet sculptors in the traditional sense but on the other hand, I feel that it's such a relief that artists like you still exist somehow...
This is a message of whipping, to work harder, right? (laughs). Well, I have lots of worries. About how to create the works that I pursue without going against the flow of the time. It's an eternal homework. My Mentor, My Inspiration
Who is the artist that has influenced your works until now?
I respect the artists Igor Mitorai, Constantin Brancusi, Fernando Botero and Isamu Noguchi. Brancusi has expressed humans into a simple but sensuous form. When you see a work like, it does not resemble a real bird at all but the swift curve, glittering shape is beyond words' description; the beauty of a real bird's flight, the wings fluttering are even challenged by the sculpture. which depicts a figure's head, a glittering bronze sculpture, does not really look like a face but has a seducing power. I always think I would like to sculpt something like that whenever I see a piece like that. As if it's obvious.
It's true that Brancusi's works seem to lie right on the borderline of figurative
and abstract art. During a certain period, there seemed to be a work influenced by
the
Botero is indeed an internationally established artist both for the artistic and public taste? The fat figures always make people happy. The essence of sculpture is volume, isn't it? So naturally, it pleases the eye and gives unlimited joy for the tactile sense too. Anyway, in the realistic perspective, Botero is one of the artists that I would like to resemble the most. Because my basic motto is 'enjoyable sculpture.' A piece of sculpture that makes people feel at home when it is around you.
But in a certain way, don't you think it could be perceived as a very passive attitude which tries to go with the public taste? What is your idea of an artist like Botero who gives public joy and artistic satisfaction at the same time? Wouldn't it be all artists' hope? I also have the wish to have both sublime(or elegance) and humor(fun) together. Botero has shown this is possible and that's why he stands as a well known figure in the world. Standing in front of the Mirror after the Return!
I think the facial expressions of your works are quite uniform. I wonder if it can be considered as a unique expression proper to Koreans only or a universal one that conveys the heart of a child. Again, I wonder if the sculpted faces had each a little bit different expression, that is, showing a more dynamic one to depict human's happy, sad, angry and fun life, what would have been the result.
I have been through the dilemma too. The works right after my return to Korea, at the beginning, I think that the archaic element and the rough and tough Korean sentiment coexisted. This is another homework to solve.
Right. Maybe the solution is within the works you showed at the Return Exhibition. I slightly saw the proper expression of Koreans in the works, actually. The archaic aesthetic sense of Western sculpture and the sublime aesthetic of Korean Buddhist sculpture were cleverly blended. Personally, the face of a Baekjae person among Buddhist sculpture, the expression of Miruk is strangely beautiful. Don't you have any ideas to benchmark it?
I have a wish to study again the facial expressions of Korea in the past that we lost nowadays, a kind and sublime smile full of humanity which was our identity back then. I shall do it with the intent to start again as if I'm in the beginning of my career. Art has no end or beginning. Art is what you just have to do. Epilogue: "Here lies a project, as great as the world. And the one who saw this great project was an unknown man fumbling in the dark in search for food. He was totally alone, if he was truly a dreamer, he would have dreamed a long and beautiful dream. A dream that nobody would understand, a long, long dream in which a whole lifetime could be spent. The young man who worked at the factory in Sevres to earn his living was a dreamer with the dream that came out of his hands and he commenced to realize his dream without hesitation. He knew exactly where to start from and the serenity inside of him lead him to a wise road. Already we can find the deep conformity of Rodin with nature."
-Translated from the Korean translation of the excerpt of Rilke's "August Rodin"
Interview by Yoo Kyung-Hee(Art Critic/ Ph.D.)
(This is an interview essay based on the interview with the artist, Lee Kyung Jae.)
Park Sook young (Arts Plastiques,. Professor of Ewha Women's University)
The human body has long been an important motif and subject for sculptors, so much so that
the history of sculpture is often said to be identical to that of sculpture of the human body.
Be it as a symbol of religious faith, a formative art object conveying aesthetic message, or the
representation of an artist's philosophy, the human body expressed through sculpture has
undergone diverse change from the concrete to the abstract. In this day and age where
discussion on the concept of sculpture with relation to paintings, architecture and landscape
hardly exists amid a flood of various art forms such as installation art, environment art, and
media art, it is becoming extremely difficult to come across an artists faithfully in pursuit of the
core value of sculpture using traditional material and techniques dealing with a traditional motif.
It is especially so under current times where the boundaries between art and music, pure art
and commercial art, and sophisticated art and pop art are growing increasingly obscure. Amid
the current trend in the sculpture circle where modern sculpture has opted to remain as a visual
art much like paintings by dissolving the form and using industrial material, thereby forfeiting
weight and gravity, Kyeong Jae Lee goes against such trends by expressing the human body
through the use of stone in an attempt to emphasize weight and traditional carving method.
Human sculptures often take the form of exaggerated shapes in the modernism era, an
approach adopted by expressionists as a way of showing their interest in the human shape and
by post-WWII artists who sought to express human as an existential being. Some were
influenced by the culture of the primitive era and took a classic approach to expressing human
shape.
Lee is neither affected by the various art trends of the past nor the fad of current times,
creating art that is dictated solely by his own unique rhythm and order. While some dissect the
human body, use a wide range of material to express the abstractness (e.g., cubists), or borrow
the expressionists' method of changing the human shape in an attempt to represent moderness,
Lee adheres to the traditional approach using marbles to express a unified volume, immovable
frontality, weight and symmetry, all of which contribute to successful expression of modern art. It
is ironic, in a sense, that such a classic approach has the force to so successfully and effectively
express moderness. His collection reflects the artist's ongoing interest in the classic world of the
east and the west, as well as his religious background. Simplicity, frontality, immobility, and
simplified silhouette are the key features that define Lee's works, much like the Buddhist's
statue of the east and the religious stone statue in the primitive era of the west. The influence of
Henry Moore and the archaic culture is clear in his works such as the sleeping statue -classicism constitutes an integral part of his collection.
The seemingly simple proportion of the body, the smooth geometric masses
organically linked to create the human body, the frame that is suggested through full but implied
volume, the smooth surface that is carefully planned, the bold omission of insignificant parts, the
smooth face simplified in the form of a sphere, and the sophisticated texture that covers the
surface come together to form the harmony balance that lead us into the world of comfort and
peace. Small parts of the body such as hands and feet are carved into lines as if drawing the
lines on canvas. Other peripheral elements are expressed in bas relief to create a sense of
sophistication and controlled sensitivity.
Past works mostly consisted of a single figure, mostly women, either standing, sitting,
or sleeping. A mother-and-child or a couple standing together was the furthest from the norm
but was still held together to form a single entity. This time Lee ventures into a new form in
which a group of individuals stands independent of one another. Sculpture representing children
that reminds us of our care-free childhood playing gleefully and in high hopes of a bright future
is an example. The method of displaying his works – placing the sculptures on a high pedestal
– is quite different from the conventional method of placing sculptures on even-size pedestals,
creating a sense of nostalgia by distancing the audience from the art piece. The same goes for
the three men observing their shadows. The men who probably shared similar experiences as
children are shown to have taken different paths in life. They are looking at different directions
that may represent the future, present or the past, depending on one's interpretation. Similar
approach can be found in the bathing woman or the woman standing next to the street light.
Lee's collection depicts human in harmony with the environment, an approach taken by the
artist to express the human body to tell a story and to form relationships to express the human
soul.
고대 이집트인들은 돌 속에 영원한 생명이 살고 있다고 믿었다. 이런 믿음으로부터 파라오 의 조상( )이나 파라오의 집인 피라미드가 유래했다. 조상을 통해 영혼이 드나들고, 그리고 돌로 축조된 피라미드는 현세와 내세를 이어주는 세계의 중심축이었던 것이다. 측량할 수조차 없는 시간을 함축하고 있는 돌은 바로 영원한 삶을 바라는 인간의 이상을 실현하는 소재였던 것이다. 그러므로 돌은 현실에 속한 것이기보다는 현실이 결여하고 있는 인간 이상의 대리물이 거나 보충물이었다. 돌은 시간과 관련된, 특히 영원한 시간과 관련된 상징적인 소재였던 것이 다. 그런가하면 미켈란젤로는 돌 속에 고유한 형상이 살고 있다고 믿었다. 따라서 조각가는 창 의적이고 절대적인 주체라기보다는 눈에 드러나 보이지 않는 그 고유한 형상의 부름에 응하는 수동적인 조력자에 지나지 않는다고 생각했다. 고대 이집트인들이 돌을 영원한 시간에 대한 상 징으로 본 것과 마찬가지로 미켈란젤로 역시 돌에서 현재하지 않는 숨은 신을 보았던 것이다. 전해지는 미켈란젤로의 적지 않은 미완성작들이 이런 숨은 신과 예술가적 천재 사이에 있었던 갈등을 말해주고 있다. 고대 이집트인이나 미켈란젤로의 돌조각에 대한 이해는 비록 그것이 인간의 형상을 취하고 는 있지만 궁극적으로는 인간의 현실적인 삶과 존재에 연유하지 않는 현실 저편의 무엇을 지 향하고 있음을 뜻한다. 이렇듯 이경재의 여체를 테마로 하고 있는 돌조각 역시 구상적인 외관 을 하고는 있지만 사실(주의)적인 조각은 아니다. 상당할 정도로 양식화가 진척된 형상에서조 차 상징(주의)의 문법이 읽혀지며, 여체는 신체 자체에 대한 관심이기보다는 현재하지 않는 어 떤 것에 대한 상징으로서 다가온다. 이런 양식화 내지는 상징의 문법은 이를테면 인체의 비현 실적인 비례와 작달막한 키, 풍만한 신체와 흐르는 듯 유기적인 곡선으로 과장된 신체, 세부의 과감한 생략, 평면의 저부조에 가까울 만큼 최소한의 볼륨에 부가된 희화화한 이목구비 등으로 나타난다. 이렇듯 양식화된 이경재의 여체는 그 풍만한 볼륨과 함께 지모( ) 혹은 대모( )에 이 어진 여성의 신화적 존재에 대해서 말해준다. 특히 가슴 가득히 과일을 안고 있어서 더 풍만해 보이는 여체는 여성이 모든 생명 있는 것들의 어머니이며, 생명과 생산과 생태를 관장하는 자 이며, 땅에 속한 자이며, 자연을 주관하는 신령스런 존재임을 대변한다. 풍성한 과일은 여성의 젖을 대신한 것이며, 다산( )과 생명의 주인으로서의 여성을 형상화한 것이다. 또한 작가의 작업에서는 고대 이집트 조각에서 유래한 듯한 영향사의 흔적이 느껴진다. 예 컨대 가급적 돌덩어리 본래의 형상을 유지하려고 조각을 최소화한 것이라든가, 마치 암각화를 보는 듯한 간략한 선각( )으로 대신한 손과 발이라든가, 팔과 다리를 몸통 안 쪽으로 거두 어 들여 가급적 동세 표현을 절제한 형상이라든가, 양손을 가지런히 모아 배 위에 얹거나 양팔 을 가슴 위에서 교차시킨 형상이 그러하다. 이렇듯 형상 표현을 가급적 절제하거나 조각의 프 로세스를 최소화한 형상에 대한 인상은 마치 시간을 정지시킨 듯 정적이고 관조적이다. 부연하면, 조각을 최소화한다는 것은 돌덩어리 본래의 생명을 되살려낸다는 것이고, 자연이 내재한 암시를 극대화한다는 것이다. 그럼으로써 영원한 삶과 시간 등의 대상의 핵심을 압축해 내는 본질주의와 이상주의를 실현한다. 그리고 손을 배나 가슴 등의 신체의 특정 부위에 위치 시키는 것이 도상학적인 전례를 상기시키는데, 이는 작가의 작업이 상징적인 문법에 기대고 있 음을 말해준다. 이를테면 손이 생명의 근원이자 인간의 신체 중 자연과 통하는 통로랄 수 있는 배와 가슴을 감싸고 있는 식이다. 이런 상징적인 문법은 작가의 조각이 자연스레 어떤 영적인 실체에 이어지게 하는데, 특히 좌우대칭의 형상과 무표정한 눈이 그렇다. 좌우대칭의 형상은 시간의 폭력으로부터 벗어난, 변 하지 않는 부동의 실체를 붙잡기 위한 장치인 것이며, 무표정한 눈은 비현실에 속한 어떤 것을 투사하고 있음을 말해준다. 이렇듯 무표정한 눈이 있는가 하면 옆으로 길게 찢어진 눈이 자기 내면을 관조하고 있는 듯 보이는데, 이는 일면적으로 부처의 얼굴을 떠올리게도 한다. 그런가하면 웅크리고 있는 아동의 형상은 그대로 태아의 자세를 닮아 있으며, 그의 무표정 한 눈 역시 실재하지 않는 무엇을 지향하고 있는 듯 보인다. 그의 눈은 아마도 과거이거나 생 명보다 더 오랜 생명의 원형이거나 유아기의 행복한 꿈에 맞춰져 있을 것이다. 본래부터 꿈과 이상의 형태로만 존재할 뿐인 것들에 대한, 이제는 돌이킬 수 없는 원초적 고향에 대한 상실감 으로 어떤 슬픔을 느끼게 한다. 사실 웅크린 자세는 인간의 형상 중 자연에 가장 가까운 근사 치이며, 상처받기 이전의 생명을 포만감으로 감싸고 있는 형국이다. 이외에 작가의 작업에는 주로 여체를 다룬 독립상과 함께 두 형상이 합체된 조각으로써, 모 자와 부부상을 비롯하여 포옹하거나 마주 한 형상이 있다. 이는 작가의 작업이 인간의 원초적 생명성을 표현하는 것 이외에도 보다 복합적인 관계를 표현하고 있음을 말해준다. 여기서 관계 는 외관상의 형상에도 불구하고 단순히 가족적인 단위나 사회적인 관점에서 접근한 것이기보 다는 자연의 원리에 순응하는 인식의 결과로 보인다. 이를테면 '나는 너다'라는 마르틴 부버 (Martin Buber) 식의 인간관을 형상화한 것이다. 똑같은 형상을 한 두 조상이 한 몸을 이루거나 마주 한 형국이 이런 인간관을 극대화하고 있다. 이렇듯 작가의 조각은 주로 여체와 아동, 그리고 그 관계를 다룬 구상적인 외관에도 불구하 고 실재하는 삶에 근거한 것은 아니다. 대신 그의 조각은 이제는 상실한 고향과 자연과 생명에 대한 그리움과 바램을 함축한 이상주의와 상징주의의 산물이다. 조각을 받치고 있는 좌대가 그 의 조각이 현실과 분리된 것임을, 비현실에 속한 것임을 말해준다. 그의 조각이 고답적으로 보 이는 것은 대체로 비현실성이나 과거지향성에 연유한 것이며, 작가는 이런 과거의 시간 속에서 상실한 것들을 되새김질해 내고 있는 것이다.
어느 미술사학자는 폴 세잔느가 사과를 그린 이후로 화가들이 그린 사과과 사람들이 먹어치운 사과 보다 더 많다고 발표 한적이 있다 . 그렇다면 아마도 지구상에 살고 있는 여자의 숫자 보다 예술가들이 그림으로 그린 숫자와 조각으로 만든 여자가 훨씬 더 많을지도 모른다 . 그만큼 화가나 조각가에게 있어 여체라는 대상은 모든 사물을 표현하는데 있 어 가장 기본적인 예술적 대상이 되어 왔다 . 그런 이유로 동서를 막론하고 여체에 대한 예술가들의 탐구는 그 인간의 역 사 만큼이나 오래 거슬러 올라간다 . 1909년 오스트리아의 빌렌도르프에서 발견된 10 .3 Cm 크기의 석회암 조각 인 빌렌도르프의 비너스는 3만년 - 2만5천년 정도로 그 역사가 깊다 . 그 외에도 우리는 조형적인 측면에서 기원전 6천년전의 터어키에서 발견된 < 여인 좌상>이나 <여인> 등에서 우리는 그들이 갖는 인체의 단순한 표현이 얼마나 아름답게 그리고 예술적으로 성숙한 채 완성 되어 있는 가를 볼 수 있다 . 기원전 4 - 3000년전 이집트의 마마리아에서 발굴 된 테라코타로 만든 여인 상에서는 여체를 다루는 사람들이 갖는 예술적 감각과 그 높은 조형성의 아 름다움이 오늘날 우리가 보아도 그 뛰어난 감각에 놀라게 한다 . 물론 인체에 대한 이런 탐구 뒤에는 미적인 측면 외에도 기복적인 신앙의식 이 내재 되어 있음을 지나쳐서도 안 될것이다 . 이렇게 연원이 깊은 인체에 대한 표현이 한 조각가에게 남다른 의미를 가진 작업의 대상으로 받아 들여지고 있다면 이것은 오히려 자연스러운 현상인지 도 모른다 . 이경재 작업의 출발은 비교적 초기부터 인체에 대한 깊은 관심을 보여준다 . 아마도 청년기 수업시절 조각에 대한 기본적인 수업이 인체표현에서 부터 시 작되고 있음을 고려한다면 그의 여체에 대한 애착은 그다지 특별 한것이 아 니다 . 그는 그런 과정을 거친후에도 오랫동안 그의 스승 밑에서 조각의 기본이라고 할 인체표현을 철저하게 표현법을 체득 해 왔다 . 그런 후 그는 "수세기 이래로 베르실리아 해변의 장관과 장엄하고 웅장한 알 프스 산맥에 둘러 쌓인 토스카나 지방의 작은 도시 카라라" (아드리아노 가 스페리)로 건너가 카라라 국립미술원에서 년간 유학생활을 했다 . 한국의 대부분 돌조각을 하는 작가들이 마치 " 에꼴 드 카라라 "라고 부를 만큼 그곳은 구상성이 강한 조각가들이 한국조각의 또 다른 흐름을 형성 해 왔다 . 이경재가 줄곧 고집스럽게 돌덩어리를 고집 하는것도 , 그가 여체를 집요하게 다루고자 하는 것도 이런 그의 예술적인 작업의 배경들과 무관하지 않다 . 그러나 그의 여체들은 확실히 이전 그의 선배들의 작품과 공통점과 차이점이 섞여 있다 . 예를들면 그의 작품에는 풍만한 인체묘사와 형태에 대한 부드러운 접근 , 모 성애적인 사랑 의 감정을 담아내는 기교 등이 눈에 뛴다 . 또한 극히 부분적인 표현- 눈과 머리- 으로 부부를 구별하거나 암시하는 기 법, 대칭적인 형태를 통해 비례의 아름다움을 각인 해 내는 기술은 이경재가 가장 자신 있어 보이는 부분으로 기존 작가들과의 차이점을 보인다 . 그러나 대부분의 인체를 다루는 조각가들이 이러한 표현에 익숙하고 세련되 어 있는 것도 사실이다 . 특히 누워 있는 여인의 와상이나 입상에 대한 스타 일은 서양 조각에서 간간히 보아온 것이기도 하다 . 여체에 대한 표현이 자세나 포우즈에서 한정적인 관계로 유사성을 보이고 있 는 것도 사실이다 . 이런 작품의 경향들은 서양에서도 빈번하게 발견 된다 . 여체에 대한 표현은 로댕의 <다나이드> 그리고 마이율의 <지중해> , 그리고 헨리무어에 와서 여체는 구상성의 절정을 보이고 있지만 대부분 차이점보다 는 공통점이 더 많다 . 그만큼 여체의 표현이 어렵다는 것을 말해주며 독특 함을 가지기가 힘들다는 것이다 . 물론 최근에 페르난도 보테로가 그 여체조각에 새로운 형식을 보여주고 있기 도 하다 . 하지만 그들이 풍만함과 아름다운 미의 조형에 충실하다면 오히려 이경재 조 각의 특징은 우선 한국적인 감성을 그가 담아내는데 주력하고 있다는 점이 눈길을 끈다 . 이경재는 그런 한국적인 감성을 그의 작품속에서 포근함, 수줍음, 포용 ,관용, 다정함 , 인자함 등으로 그들과는 다른 느낌의 작품들을 보여주고 있다 . 여인을 표현한 작품 전체에서 보이는 따뜻하고 정겨운 것들은 모두가 다 수 줍은 자세와 팔을 가지런히 모으고 있는 부분등에서 집약 되어 있다 . 왜 인체를 강조하는 가를 이경재는 스스로 " 신이 창조한 삼라만상중 가장 선택 받은 아름다운 미" 라고 여체를 정의하고 있는데서도 명백 해진다 . 그러나 그의 조각의 비례나 형태는 다분히 서양에서는 말하는 비율이나 크기 기준에 상관 없이 비현실적이다 . 그래서 무엇보다 이경재 조각의 특질은 그 인체의 정겨운 표현에 있으면서 형태나 크기를 비현실적으로 묘사하고 있는 것이 그의 조각에 주요한 특성 으로 드러난다 . 그 비현실적인 형태는 인간의 본능과 만나 새로운 감정을 야 기 시킨다 . 예를들면 그의 조각속의 눈매와 표정등은 모성과 여성으로 가득찬 여인의 자 유스러운 그러면서도 수줍은 인상은 그가 얼마나 여인에 대한 눈길이 얼마나 따뜻한가를 확연히 보여준다 . 반면 그는 대리석 덩어리에 그의 지문을 찍어가면서 그 안에서 여인 또는 모 성을 가진 어머니 , 여인이 가지고 있는 아름다운 자유와 평화를 얻고 있다. 거칠은 돌 덩어리가 하나의 아름다운 여인으로 되살아날 때 그는 러시아 태 생의 미국 조각가 아키펭코 (A. P. Archipenko)나 헨리무어가 보여 주었던 언제나 아름다움과 생명성 그리고 구성의 원칙에 전혀 어굿나지 않게 노력 했던 체험을 작가의 한 이상으로 다짐 했을 것이다 . 그러나 좀더 젊은 작가로서 나는 그가 새로운 형태나 독창적인 양식을 구축 해 주길 기대한다 . 아직 그는 너무 고전적인 것에서 얻어올 것이 많다고 믿고 있는 듯하다 . 많은 훌륭한 작가들이 1929년에 제작된 헨리 무어의 누워있는 와상들을 재현 하면서 그들이 그들의 언어를 세련 시켜 왔던 것처럼 고전적인 걸적들은 우 리에게 더없이 훌륭한 스승이다 . 1918년 빌헬름 렘부르크의 <남자 좌상>은 로댕에게 <생각하는 사람> 을 제작하는데 어떤 영감을 주었을 것이다 . 이제 이경재에게 있어 하나의 과제는 그런 고전을 자신의 언어로 전이 시 키는 독창성을 보여줄 때이다 . 그러한 그의 의지는 이미 이번 전시에서 명백하게 내보이고 있다 . 이전의 작업보다 곡선이 많이 사용되고, 형태도 더욱 부드럽게, 형상을 고정 화 시키지 않는 작품들은 그러한 그의 새로운 변모를 예감케 하는 것들이다 . 그러나 아직도 많은 조각가들이 단순히 순수한 형태에 대한 탐미적인 태도를 취함으로서 반복적인 여체를 되풀이 하는 것은 경계 해야 할 필요가 있지 않 을까 생각한다. 누구에게든 스승은 있다 . 그래서 보다 창조적인 작업을 하기 위해 마치 브랑 쿠지가 그의 스승인 로댕 곁을 떠나면서 남겼던 그 유명한 일화 " 거대한 고 목 밑에서는 잡초도 자라지 못한다"는 명언은 아직도 스승의 문하에서 작업 을 하는 작가들에게 많은 것을 시사 해준다 . 이경재의 경우도 그가 조각을 배웠던 스승들의 영향과 흔적이 인체를 다루는 기법이나 기교 , 사믈을 묘사 해내는 부분에 간헐적으로 남아 있음을 털어낼 필요와 때가 되었다고 판단된다 . 그러나 좋은 스승을 만난다는 것은 때로 당시에는 힘들고 고통스럽겠지만 훌 륭한 선생의 문하에서 조각을 다루는 모든 테크닉을 완벽하게 익힐 수 있다 는 점에서 이경재로서 대단히 유익하고 행운인지도 모른다 . 그러나 진정한 예술가에게 있어서는 위로는 스승이 없어야 하며, 옆으로 벗 이 없어야 하며 , 아래로는 제자를 두지 말아야 한다고 했다 . 그래야만이 독특한 표현과 양식으로 모두에게 감동적고 생명력 있는 작품을 창조 할수 있기 때문이다 . 그런점에서 이경재의 이번 전시는 그의 새로운 조형성과 독창성을 열어 보이 는 계기를 갖게 되는 아주 의미 있는 전시가 되리라 여겨진다 . 김종근 (홍익대 겸임교수. 미술평론가)